Личная жизнь
Пикассо, несомненно, был незаурядным художником, но также он считался и известным волокитой. Дважды официально женатый Пабло имел бесчисленное множество связей с прекрасным полом. Библиографы художника отмечают, что он относился к выбранным им женщинам довольно неуважительно, если не сказать презрительно, не привязывался ни к одной из них, однако старался усердно их использовать.
Его первой законной женой стала гордая и влиятельная танцовщица из России, Ольга Степановна Хохлова, родившая ему сына Поля. Несмотря на то, что отношения с мужем довольно быстро разладились, Хохлова была его женой до самой своей смерти. Умерла Ольга в 1955 году от онкологического заболевания.
С Ольгой Хохловой
Его второй законной супругой стала в 1961 году 34-летняя Жаклин Рок, с которой они жили целых 10 лет как любовники. Пикассо умер на руках молодой жены в 1973 году.
С Жаклин Рок
Но подлинную радость доставила Пикассо его связь с молодой девушкой Франсуазой, которая была тоже художницей. Их роман продлился 10 лет. Франсуаза родила ему двоих детей: сына Клода и дочку Палому, но законной женой так и не стала.
С Франсуазой
Искусство удивлять: 135 лет назад родился Пабло Пикассо
25 октября 1881 года на юге Испании родился художник Пабло Пикассо. В 135-ю годовщину со дня рождения основоположника кубизма RT рассказывает о тайнах творчества живописца, которые открылись учёным в XXI веке и о том, как среди ценителей картин Пикассо оказались голуби и пчёлы.
В 1901 году Пабло Пикассо написал картину «Голубая комната». На полотне изображена молодая женщина, которая принимает ванну. Картина считается одним из самых ярких образцов «голубого периода» творчества художника ― тогда в полотнах Пикассо преобладали мрачные и холодные оттенки, а изображённые люди отличались неторопливостью и меланхоличностью.
Уже после смерти художника специалисты заметили, что некоторые мазки на картине указывают на стремление Пикассо что-то зарисовать.
Сначала исследователи пришли к выводу, что изображение ― это автопортрет Пикассо, но сегодня искусствоведы настаивают: художник нарисовал коллекционера и мецената Амбруаза Воллара.
Художник с малярной краской
Другая команда учёных провела исследование и выяснила: для создания картин Пабло Пикассо порой использовал малярную краску. Специалисты просканировали холст «Красное кресло», созданный живописцем в 50-летнем возрасте. На картине Пикассо изобразил свою юную возлюбленную Марию-Терезу Вальтер, которая четырьмя годами позже родила ему дочь Майю.
Учёные выяснили, что по химическому составу краска соответствовала малярной — фирмы Ripolin. По словам исследователей, малярная краска обладала рядом преимуществ — в частности, она сохла быстрее масляной.
Кроме того, учёные предполагают, что не только Пикассо пользовался «краской для дома»: ещё одним любителем малярной краски считается швейцарский художник Ле Корбюзье (настоящее имя — Шарль-Эдуар Жаннере-Гри).
Неожиданные ценители
В 1995 году Шнобелевскую премию (награду за исследования, которые сначала заставляют смеяться, а потом ― задуматься) получили учёные из университета Кэйо за исследование под названием «Голуби умеют отличать картины Пикассо от картин Моне».
В ходе ряда экспериментов специалисты показывали птицам слайды с картинами двух художников. Если на экране появлялось полотно Пикассо ― голубям давали семечки, если картина французского живописца Моне ― не давали ничего.
Птиц также учили нажимать кнопку, если они видели слайды с полотнами испанца.
Затем перед голубями ставили такую задачу: им показывали картины Пикассо, которые птицы раньше не видели. Голуби должны были отличить полотна испанского художника от полотен француза.
Голуби с заданием справились на твёрдую пятёрку.
Кстати, в 2012 году эксперимент с картинами поставила другая группа учёных — правда, на этот раз были задействованы не голуби, а пчёлы. Пчёл запускали в тоннель, в конце которого располагались две комнатки: одна была пустая, а во второй находился сироп.
Над входом в каждую комнатку висела репродукция или картины Пабло Пикассо, или картины Клода Моне. Для одной группы пчёл сироп всегда находился в помещении, над которым висел Пикассо, для другой — над которым висел Моне.
В тоннель насекомых запускали по одной — чтобы пчёлы не могли подсказать друг другу, где именно находится лакомство.
Анна Одинцова
«Любительница абсента» 1901 год
На этой знаменитой картине, написанной в 1901 году («голубой период»), художник изобразил парижское кафе начала ХХ века. Одинокая сидящая за столом женщина задумалась над бокалом абсента. Возможно, это глубоко несчастный человек, который размышляет о трудностях жизни, а может, представляет собой героиню художественной богемы, именно в этом круге общества был популярен такой напиток.
На полотне нет лишних деталей. Контрастные цвета на картине дают почувствовать одиночество женщины и ее замкнутость в себе. Лицо сосредоточено, а на губах можно заметить горькую усмешку. Пикассо в то время очень увлечен работами Дега, Тулуз-Лотрека и Гогена, поэтому в его работах можно заметить, что композиция на картинах построена под впечатлением творчества этих художников.
«»Голубой»» и «»розовый»» периоды
В краткой биографии Пабло Пикассо нужно дать небольшое описание «»голубого»» и «»розового»» периодов. В 1900 году художник вместе с Касагемасом отправляется в Париж. На Всемирной выставке он знакомится с работами импрессионистов. Тот период был непростым для Пикассо, а самоубийство Касагемаса стало большим потрясением для молодого художника.
Под влиянием этих обстоятельств в начале 1902 года Пикассо начал творить в стиле, который был назван «»голубым»». Главными темами полотен стали старость, смерть, нищета, тоска и меланхолия. Люди, изображенные на картинах, кажутся задумчивыми, замедленными, погруженными в свой внутренний мир. Среди всех оттенков больше всего художник использует голубые. Героями полотен Пикассо были калеки и представители низших слоев общества. Его полотна чем-то похожи на работы художника Эль Греко.
В 1904 году Пикассо переезжает в Париж и его жилищем стало общежитие для бедных художников. Это было началом «»розового»» периода в его творчестве. На смену печальным образам пришла тематика цирка и театра. В палитре преобладали розово-золотистый и розово-серый, а главными героями полотен стали бродячие артисты. В этих картинах чувствовался романтичный дух одинокого бродячего артиста.
Купальщица (1971)
Тема купальщиц поднималась Пабло Пикассо в течение всей его жизни. Это целая серия работ, посвящённая женскому телу и женской красоте. Символические знаки, в основе которых использовались иберийские узоры, символы, сложные формы и таинственные обозначения Пабло Пикассо использовал, чтобы изобразить таинственность и величие женщины. Обнажённые фигуры на фоне моря в различных художественных стилях получали с каждым годом всё новое и новое развитие.
Очередную «Купальщицу» Пикассо написал за два года до смерти. В зелёных волнах бурного моря плещется обнажённая женщина. Её плавные формы сливаются с волнами, а широко раскрытые миндалевидные глаза сияют радостью от купания.
«Голубка» Пикассо | ОС3. Хронолайнер
“Голубка” Пикассо — белый голубь мира, нарисованный Пабло Пикассо в 1949 году и неоднократно им воспроизводившийся в различных вариациях. Один из самых узнаваемых символов мира, обошедший всю планету.
Возник в качестве эмблемы Всемирного конгресса сторонников мира, проходившего с 20 по 25 апреля 1949 года в Париже и Праге (см. Голубь мира).
В творчестве Пикассо
Илья Эренбург рассказывает об отношении коммуниста Пикассо к этому мотиву:
Помню обед в его мастерской в день открытия Парижского конгресса сторонников мира. В тот день…
Показать полностью
“Голубка” Пикассо — белый голубь мира, нарисованный Пабло Пикассо в 1949 году и неоднократно им воспроизводившийся в различных вариациях. Один из самых узнаваемых символов мира, обошедший всю планету.
Возник в качестве эмблемы Всемирного конгресса сторонников мира, проходившего с 20 по 25 апреля 1949 года в Париже и Праге (см. Голубь мира).
В творчестве Пикассо
Илья Эренбург рассказывает об отношении коммуниста Пикассо к этому мотиву:
Помню обед в его мастерской в день открытия Парижского конгресса сторонников мира. В тот день у Пабло родилась дочь, которую он назвал Паломой (по испански “палома” — голубка). За столом нас было трое: Пикассо, Поль Элюар и я. Сначала мы говорили о голубях.
Пабло рассказывал, как его отец, художник, часто рисовавший голубей, давал мальчику дорисовывать лапки — лапки успели надоесть отцу. Потом заговорили вообще о голубях; Пикассо их любит, всегда держит в доме; смеясь, он говорил, что голуби жадные и драчливые птицы, непонятно, почему их сделали символом мира.
В 1950 году на конгрессе в Шеффилде художник повторил, что голубей учил рисовать его отец, а также сказал: Я выступаю за жизнь против смерти; я выступаю за мир против войны.
Эволюция изображения
Первый вариант “Голубки” 1949 года, который и был напечатан на плакате Конгресса по выбору Луи Арагона из прочих вариантов эмблемы, сильно отличался от того, который позже приобрел популярность.
Это было реалистическое изображение голубя, сидящего на земле (а не летящего), без оливковой ветви в клюве, с мохнатыми лапками — подарок Анри Матисса. Экземпляры этой многотиражной литографии (547х697 мм) хранятся во многих музеях мира, включая Тейт, МоМА.
Канвейлер опубликовал её еще в 1949 г., до выбора Арагона.
Мы увезли голубей в Валлорис. Одного из них ждал замечательный художественный и политический успех. В начале сорок девятого года Пабло сделал его литографию, добившись при этом блестящего технического результата.
В литографии получить совершенно черный цвет не столь уж трудно, но поскольку в литографической краске содержится воск, то когда её разбавляют водой для получения светло-серого цвета, она распределяется по камню неравномерно. И получается то, что по-французски именуется la peau de crapaud, крапчатая, будто жабья кожа, поверхность.
Однако в этой литографии Пабло удалось сделать смесь, производящую впечатление очень прозрачного серого цвета с оттенками, которые явились изумительным tour de force.
Просматривая папку с последними литографиями, Арагон увидел эту, голубь так походил на голубку, что ему пришла мысль сделать этот рисунок символом конгресса. Пабло согласился, и к концу дня плакат с “голубкой” уже начал появляться на парижских стенах. В бесчисленных оттисках вначале с оригинального камня, потом с копий, этот плакат обошел земной шар в защиту мира.
…хотя Пикассо тогда верил в искренние намерения движения пацифистов, он не удержался от саркастических замечаний в адрес выбора Арагона: “Бедняга! Он совершенно не знает голубей! Нежность голубки, какая ерунда! Они ведь очень жестокие. У меня были голубки, которые заклевали насмерть несчастную голубку, которая не понравилась им… Они выклевали ей глаза и разорвали на части, это ужасное зрелище! Хорош символ мира!”.
Арагон забрал рисунок в полдень, а уже в пять часов вечера по всему Парижу были развешаны афиши с изображением голубки. (…) Возможно, Пикассо и сам не предполагал, какой силой обладает его “Голубка”, пока не увидел её увеличенное изображение в зале Плейель, где проходил Конгресс. Она парила над залом в свете прожекторов, над толпой восторженных, объединенных одной надеждой людей.
Биограф художника пишет: Использование “Голубки” в политических целях не отняло у неё её совершенства.
Другой биограф уточняет, также подчеркивая намеренную непредвзятость награды: Позднее в том же году Филадельфийский музей искусства, отложив политику в сторону, удостоил эту литографию Пикассо мемориальной медали Пеннела.
Скрыть
Сюрреализм
«Лежащая женщина читает»
В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. После эпикурейского изящества 1920-х («Танец») Пикассо создает атмосферу конвульсий и истерии, ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935, и театральной пьесе, созданной во время войны. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ («Сидящая купальщица», 1929), орущих («Женщина в кресле», 1929), раздутых до абсурда и бесформенных («Купальщица», рисунок, 1927) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы («Фигуры на берегу моря», 1931). Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период («Девушка перед зеркалом», 1932). Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, потому что сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой или потому что простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932 года, вдохновляла его на откровенную чувственность («Зеркало», 1932). Она стала также моделью для нескольких безмятежных и величественных скульптурных бюстов, исполненных в 1932 году в замке Буажелу, который он приобрел в 1930 году. В 1930—1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса («Лежащая женщина», 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма («Мужчина с букетом», 1934) и особенно металлические конструкции, имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создает их с помощью своего друга, испанского скульптора Хулио Гонсалеса — «Конструкция», 1931). Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к «Метаморфозам» Овидия (1930) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения.
В 1937 году симпатии Пикассо — на стороне республиканцев, борющихся в Испании (серия акватинт «Мечты и ложь генерала Франко», отпечатанная в виде открыток, разбрасывалась с самолетов над позициями франкистов). В апреле 1937 года немецкая и итальянская авиация бомбила и разрушила небольшой городок басков Герника — культурный и политический центр жизни этого свободолюбивого народа. За два месяца Пикассо создает свою «Гернику» — громадное полотно, которое было выставлено в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже. Светлые и темные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара. В центре композиции, наподобие фриза, в комбинаторике кубистическо-сюрреалистических элементов показаны павший воин, подбегающая к нему женщина и раненая лошадь. Основной теме сопутствуют изображения плачущей женщины с мертвым ребенком и быком за её спиной и женской фигуры в пламени с воздетыми вверх руками. В темноту маленькой площади, над которой висит фонарь, протягивается длинная рука со светильником — символом надежды.
Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выразил прямо, но придал своим картинам тревожную тональность и мрачность («Рыбная ловля ночью на Антибах», 1939), сарказм, горечь, которые не коснулись только лишь детских портретов («Майя и ее кукла», 1938). И вновь женщины стали главными жертвами этого общего мрачного настроения. Среди них — Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 году и красивое лицо которой он деформировал и искажал гримасами («Плачущая женщина», 1937). Никогда ещё женоненавистничество художника не выражалось с такой ожесточенностью; увенчанные нелепыми шляпами, лица, изображенные в фас и в профиль, дикие, раздробленные, рассеченные потом тела, раздутые до чудовищных размеров, а их части соединены в бурлескные формы («Утренняя серенада», 1942). Немецкая оккупация не могла, понятно, испугать Пикассо, который оставался в Париже с 1940 по 1944 год. Она также нисколько не ослабила его деятельности: портреты, скульптуры («Человек с агнцем»), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи («Натюрморт с бычьим черепом», 1942).
В 1944 году Пикассо становится членом Французской коммунистической партии. Гуманистические воззрения Пикассо проявляются в его работах: в 1950 году он рисует знаменитого «Голубя мира».
Плачущая женщина / Дора Маар с платком (1937)
Образ женщины в творчестве Пикассо обыгрывался множество раз. Ему терпеливо позировали самые красивые женщины. Одной из них была его близкая подруга — красавица Дора Маар. Серия «Плачущая женщина» довольно большая и затрагивает различные эмоциональные переживания: от глубокого горя и отчаяния до слёз радости.
Картина «Плачущая женщина», для которой позировала Дора Маар, изображает горе и страдание в стиле кубизма. Яркие краски и угловатые формы подчёркивают плоскость изображения. Необычайный эффект достигается путём изображения нижней части лица, просвечивающейся сквозь ткань платка.
Красная шляпка с ярким синим цветком, разноцветные тонкие полосы волос, «вдребезги» разбитые стёкла глаз создают необычайное эмоциональное восприятие картины. В этом всё волшебство и гений Пикассо — из раздробленных частей создать цельный образ.
17
«Авиньонские девицы» 1907 год
Когда Пикассо создал новое направление в живописи – кубизм, первой картиной написанной в этом стиле становятся «Авиньонские девицы» африканского периода творчества художника. Она напоминает работу П. Сезанна «Четыре купальщицы» 1890 года, возможно, именно Сезанн вдохновил Пикассо создать эту картину в 1907 году. В работе фон напоминает о «розовом» и «голубом» периодах творчества, а сами девицы написаны в охристых и розовых тонах.
В 1916 году художник принимает участие в постановке балета «Парад» для Сергея Дягилева. Он создает декорации и костюмы, участвует в написании сценария. В результате этой работы на премьере балета разразился скандал, и публика чуть не сорвала выступление. Несмотря на это, популярность Пикассо только увеличилась.
«Герника»
Картина была написана в 1937 году по заказу правительства Испании. Сюжетом для полотна размером 7,8 на 3,5 метра послужила бомбардировка испанского города Герника. При описании картины Пикассо следует упомянуть, что она выдержана в черно-белых тонах, которые художник всегда использовал как символ трагедии и смерти. Все полотно пронизано ужасом и скорбью:
- Женщина, рыдающая над убитым ребенком.
- Падающая лошадь, расположенная в центре картины.
- Убитый солдат с отрубленной, но все еще держащей меч рукой.
- Лампа в виде глаза.
- Человек, горящий в огне.
- Трагическое лицо женщины, влетающее в открытое окно.
Отношение к картине Пикассо, фото которой передает весь ужас войны, было различным. Некоторые люди посчитали ее гениальной, а другие считали ее худшей работой мастера. Сам Пикассо в 1940 году на вопрос, который ему задали по поводу картины фашисты: «Это сделали Вы?», — ответил: «Нет, это сделали вы».
В послевоенные годы жизнь художника складывается весьма удачно, у него рождаются дети, впоследствии его дочь Палома становится известным модельером и дизайнером. Переезд из Парижа на юг Франции способствует средиземноморскому колориту в работах мастера. О жизни Пикассо снято несколько фильмов, в двух из которых он принимает участие:
- «Таинство Пикассо».
- «Завещание Орфея».
Умер знаменитый художник 8 апреля 1973 года и похоронен возле своего замка Вовенарт во Франции.
Сочинение по картине «Герника»
Вариант 1
Нечеловеческие зверства фашистского режима впервые сразили Европу после того, как отдельный легион добровольцев люфтваффе совершил ночную бомбардировку мирного баскского города, находящегося на севере Испании неподалеку от границы с Францией.
Более трети жителей погибло под бомбежкой, а сам город горел еще более трех суток. Шокированная Европа еще не осознала, какая страшная беда надвигается на нее, поскольку фашистская Германия впервые обнажила свое уродливое лицо.
Пабло Пикассо, проживающий в это время возле Парижа, был так поражен произошедшим в Гернике, как будто его пронзили острым предметом.
Приняв заказ на полотно для выставки в Париже, он создал масштабный не только по размерам, но и по смыслу шедевр с невероятной скоростью – всего лишь за месяц, работая иногда по двенадцать часов в сутки.
Сюжет, в самых мельчайших деталях, как будто уже был в голове живописца и он словно обводил то, чем было охвачено его творческое воображение.
«Герника», выполненная в манере кубизма, представляет собой огромное полотно впечатляющих размеров, написанное масляными красками в черно-белых тонах.
Выбор такой формы и цветовой гаммы обусловлен несколькими причинами.
Желая выразить в своем творении боль, отчаяние, агонию и гнев невинно пострадавших людей, Пикассо обезличивает их, передавая лишь основные черты, по которым можно узнать мать, рыдающую над телом мертвого ребенка, разорванное на части тело солдата, падающую в агонии белую лошадь, растерзанную голубку, женщину со светильником, гибнущего в огне человека и яростного быка.
Деформация объектов, помещения и цветов объясняется ужасом, который внезапно постиг ночью испанский город. Во время войны все ужасно и лишено красок, это время, когда больше нет никаких цветов и форм. Все становится нереальным, как в кошмарном сне, и сознанием воспринимаются лишь общие черты.
Сюжет разворачивается в тесном помещении, вероятно внутри комнаты, на потолке которой находится странной формы лампа, больше напоминающая горящий глаз. Снаружи полыхают огнем здания, а фигура мужчины справа зажата между двумя языками пламени.
В это помещение подобно привидению, держа в руке свечку, вплывает какая женская маска по стилю напоминающая древнегреческую. Глаза у всех персонажей картины широко раскрыты, а в горле застрял крик.
Повершенный солдат продолжает сжимать в руке клинок, из которого растет цветок – так Пикассо передает образ защитника, поверженного войной. Лишь только голова быка, возвышающаяся над всем, выражает мрачное равнодушие, попирая поверженным им.
Вариант 2
Как можно изобразить бессмысленную бойню, отнявшую жизнь тысяч невинных? Это агония, это изуродованные
перекошенные лица, это страх, ненависть и жестокость. Художник переступает через авангард, возвращаясь к средневековью — он пытается поднять вопросы морали, и тут же отвечает на них кратко и безапелляционно: мир абсурден, и в нем нет места морали. Размер полотна поражает: 3,5 метра в высоту и 8 метров в длину.
Пабло Пикассо писал картину практически без отдыха, раз за разом переделывал, пытаясь как можно точнее передать бурю, царившую в его душе, и во всей Европе. Сюжет и композиция картины отнюдь не основываются на реально происходивших действиях — это меткие ассоциации и глубокие образы, которые вместе
оставляют впечатление глупого нагромождения. Мертвый всадник, женщина со светильником, бьющаяся в конвульсиях лошадь… Они словно загнаны в “каменный мешок”, а над их головами рассеивает свой холодный свет лампа накаливания.
Интересно, что художник сознательно упускает все то, что не несет в себе, по его мнению, смысловой и эмоциональной нагрузки, изображая лишь то, без чего не обойтись. Мать, чье лицо обращено к зрителю, широко раскрыла свой рот, словно пытается беззвучно кричать. Ноздри сдвинуты вверх, выше глаз.
Индивидуальность персонажей напрочь отсутствует, они словно Розенкранц и Гильденстерн в пьесе Стоппарда — не знают кто они и что делают в этом аду. Но это не все. Ведь есть и другие, не только те, кто остался в Гернике. Есть те, кто беззвучно и бездейственно наблюдает. Их холодный взгляд скользит по сцене бойни, и решительно ничего не выражает. Эту отчужденность олицетворяет бык.
Гораздо позже, в разгар Второй мировой, быка стали олицетворять с Гитлером и Франко. Но, по правде сказать, их там нет. “Герника” не привязана к определенному временному событию, ведь всегда будет бык, всегда будет агония, и всегда будет холодный свет.
Детские годы
Пабло появился на 25 октября 1881 года в Андалузском регионе юга Испании. После появления на свет акушерка решила, что младенец мертв, так как роды были продолжительные и тяжелые. Его дядя, доктор по имени Сальвадор, буквально спас новорожденного, выпустив дым от сигары в сторону малыша, который немедленно отреагировал на запах отчаянным ревом. Полное имя, полученное при крещении, содержит 23 слова. Он был наречен в честь различных святых и родственников.
Его отец Хосе Руис Бласко происходил из древнего, богатого рода северо-запада Испании. Он был художником, преподавал в школе изящных искусств, основанной Академией художеств и расположенной в здании Сан-Тельмо, старом монастыре иезуитов, и служил куратором в муниципальном музее. Школа искусств в Малаге работала с 1851 года. Своей фамилии художник обязан матери Марии Пикассо Лопес. Он активно использовал ее начиная с 1901 года.
Согласно преданию, одним из первых произнесенных слов было «piz», сокращение от «lápiz», что означает «карандаш». Пабло любил рисовать с детства. Отец полностью контролировал художественное образование сына. Он сам давал ему уроки и отправил его в возрасте пяти лет в школу, в которой работал. Будучи сыном академического живописца и воодушевившись его работами, Пабло начал творить с раннего возраста. В детстве его отец часто брал его в бой быков, и одна из его ранних картин содержала сцену корриды.
В 1891 году отец получает преподавательскую должность в институте в Ла-Корунье, а в 1892 году Пабло поступил в это же образовательно заведение в качестве ученика. В течение трех лет он получал классическое художественное образование. Под академическим руководством отца он развивал свой художественный талант с необычайной скоростью.
Кубизм
Этот большой период в творчестве Пабло Пикассо делиться на несколько этапов. Это время полного отказа от детализации персонажей: предмет и фон почти сливаются воедино, нет четко очерченных границ. Пикассо был убежден, что художник может больше, чем просто показывать то, что видит глаз.
Первый этап «сезанновский» он же «африканский» период. Этот этап отличается построением изображений с помощью простых- геометрических форм и преобладанием мутных размытых зеленых, охристых и коричневых тонов.
В 1907-1909 гг внимание художника было устремленно на африканское искусство, с которым он впервые познакомился в 1907 году на этнографической выставке в музее Трокадеро. Отныне в творчестве Пикассо стали преобладать простые, даже примитивные формы изображаемых предметов
В технике художник стал употреблять грубую штриховку. Первой картиной выполненной в «африканском» стиле считается «Авиньонские девицы» 1907 г.
Эта картина писалось автором на протяжении года. Ни с одной своей картиной Пикассо не работал так долго. В итоге эта работа так отличалась от предыдущих его картин, что была неоднозначно воспринята общественностью. Но нащупав новый, интересный для него стиль, Пикассо не собирался отступать и на протяжении 2 лет художник всячески развивал его.
«Шарманка» 1905 год
Работы «розового периода» творчества Пикассо отражают веру в дружбу и добрые взаимоотношения людей. На картине «Шарманка» изображен престарелый клоун со своим музыкальным инструментом и, вероятно, его ученик, мальчик-арлекин, которому он впоследствии передаст свой опыт. Оба героя задумчивы и спокойны, возможно, они отдыхают после выступления или собираются выйти на сцену и показать свой номер публике. Центральный персонаж, старый клоун, выдержан в розовых тонах с черной шарманкой, лежащей у него на коленях. Мальчик выделен разноцветным пятном костюма арлекина, при этом его голова практически сливается с фоном картины. Фон картины написан в голубых и охристых тонах.
В 1907 году мастер начинает эксперименты с формой предметов. Увлечение художника африканской культурой приводит его творчество к новому направлению – кубизму, который отвергает натурализм в искусстве Пикассо. Картины становятся монохромными и производят впечатление непонятных ребусов.